Anna Tatarczyk, 1973 in Polen geboren, übersiedelte 1994 nach Deutschland. Sie studierte Germanistik und Philosophie an der H.-H.-Universität Düsseldorf sowie freie Malerei an der Kunstakademie Düsseldorf unter Prof. A.R. Penck und Prof. Siegfried Anzinger. Seit 2019 ist sie Mitglied im Verein Der Düsseldorfer Künstler 1844 e.V. Sie lebt und arbeitet in Düsseldorf und Wuppertal.

Über ihre Arbeit

Seit vier Jahren beschäftigt sich Anna Tatarczyk mit der geometrischen Abstraktion, sie malt dreidimensionale rhombische Formen. Die optische Wirkung der Dreidimensionalität erzeugt sie mit scharfkantig aneinandergrenzenden Farbfeldern in verschiedenen Lichtstufen. Ganz besonders interessiert sie dabei das Zusammenspiel der Farben und das Erzeugen von Licht. Ihre Handschrift selbst bleibt verborgen, es ist keine Pinselspur zu erkennen. Auf einem naturbelassenen Untergrund aufgetragen, erzeugt die scharfkantige Komposition eine lebendige Spannung.

Auch dem Ursprung der Raute hat sich nachgeforscht und Interessantes herausgefunden. Das Symbol der Raute geht auf die Steinzeit zurück, damals schon erkannten die Menschen die Bahnen der Gestirne. Ein Rautenmuster und somit die Raute wurden zum Symbol des Sonne-Mond-Kultes. Die ältesten Rautenmuster findet man an 40.000 Jahre alten Mammutskulpturen in den Höhlen in Lonetal (Schwäbische Alb). Es sind die ältesten Kunstwerke der Menschheitsgeschichte. Man findet Rautenmuster an alten heidnischen Plätzen, auf Wappen und als Wegweiser.

Rhea Standke wurde 1972 in Dresden, Deutschland, geboren. Sie studierte ab 1996 an der staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe, wo sie 2002 unter anderen bei Stephan Balkenhol diplomierte. Anschließend absolvierte sie ein Studium an der Universität für angewandte Kunst Wien unter Prof. Wolfgang Herzig und Prof. Johanna Kandl und reiste im Rahmen eines künstlerischen Programms für sechs Monate nach China. Von 2010 studierte sie an der Kunstakademie Düsseldorf bei Prof. Herbert Brandl und Prof. Tony Cragg und wurde 2015 zur Meisterschülerin ernannt. Rhea Standke lebt und arbeitet seit 2010 als freischaffende Künstlerin in Düsseldorf. 2020 bereits als Gastkünstlerin in der Altstadtgalerie Gmünd, kommt sie 2022 zum zweiten Mal in die Künstlerstadt, um ihre Arbeiten in der Galerie Gmünd auszustellen und selbst wieder für drei Monate in der Altstadtgalerie zu arbeiten.

»In meiner Kunst beschäftige ich mich mit multidimensionalen Weltengebilden, Grenzauflösung, Durchlichtung, Multiversen und Paradigmenwechsel. Während meines Aufenthaltes bei den indigenen Schamanen in Kolumbien konnte ich mein Bewusstsein öffnen und sehr intensiv erleben, das es gleichzeitig existierend unendlich viele Lichträume gibt, die einerseits miteinander verwoben sind und andererseits sich immerwährend neu gebähren. Das bedeutet für mich, das unter anderem die Ebenen Raum und Zeit nur in unserem begrenztem Denken ein Knappheitsgefühl erzeugen können. Aus dem Momentum des Seins heraus zu erfassend, existieren grenzenlose kosmische Paralelluniversen. In Hingabe an die multidimensionalen Berglandschaften und die damit verbundene Entgrenzung sowie die erhabene Loslösung vom Wollen zum Sein entfaltet sich der Unraum.«
(Rhea Standke, 2022)

Geboren 1985 in Düren/Deutschland, studierte Anica Hauswald bei Prof. Udo Dziersk und Prof. Herbert Brandl (Meisterschülerin) an der Kunstakademie Düsseldorf, wo sie 2014 ihren Akademiebrief erhielt. Zahlreiche Einzel- und Gruppenausstellungen im In- und Ausland. Seit 2019 stellvertretende Vorsitzende im Kulturbahnhof Eller in Düsseldorf. Im selben Jahr Gewinnerin des 1. Reclaim Awards, Köln. Anica Hauswald lebt und arbeitet in Düsseldorf.

Über ihre Arbeit

»Meine Werke spiegeln eine starke Auseinandersetzung mit mir selbst wider und haben sich im Laufe der Pandemie sehr verändert. Von einer mühsamen und zeitaufwendigen Mischung aus Textilkunst und Farbfeldmalerei, hin zu einer freien, wilden, leuchtstarken und reinen Malerei. Meine Arbeiten entstehen jetzt schnell, weil sie vorher so langsam entstanden sind. Sie haben nun einen sichtbaren Duktus, weil es vorher keinen gab. Sie bedingen sich gegenseitig. Sie wären aktuell nicht so wie sie sind, wenn sie nicht vorher so gewesen wären wie sie waren. Sie sind für mich ein Kontrastprogramm, ein Befreiungsschlag, ein Ventil und eine Initialzündung zugleich. Sie ermöglichen mir viel mehr Freiheit und lassen mich wieder mehr Lebendigkeit spüren. Ich arbeite mit meinen Werken sämtliche Emotionen ab, die ich im Schaffensprozess erlebe. Und diese Emotionen möchte ich für den Betrachter sichtbar machen und ein Stück weit in seine Welt transportieren. Die Kraft, die Energie, meine körperliche Auseinandersetzung vor der Leinwand, der Flow, die Lebendigkeit und die Freude beim Schaffen sollen spürbar sein. Transportiert von mir zu dem Betrachter über die Brücke meiner Malerei. Lebendigkeit erzeugen - der Pandemie zum Trotz.« (Anica Hauswald)

Geboren 1975 in Meran, absolvierte Jan Langer ein Perkussionsstudium in München, Freiburg, Barcelona und Wien und arbeitet seit 2001 als freischaffender Musiker. Autodidaktisch begann er sich mit Land Art zu beschäftigen, ab 2016 folgten Einzel- und Gruppenausstellungen im In- und Ausland sowie diverse Publikationen, u.a. in der Süddeutschen Zeitung.

Über seine Arbeit

„Vor allem in Zeiten wie diesen, ist Jan Langers Kunst wegweisend. Ohne erhobenen Zeigefinger, dafür mit unendlicher Anmut und einem sehr feinen Gespür für Ästhetik, weist einem der Künstler mit seinen Objekten den Weg zu einem Loslassen statt Festhalten, Verzaubert-werden statt schriller Aufmerksamkeit heischen und Dankbarkeit und Demut vor unserem größten Schatz, der Natur.“ (Margarethe Hlawa Grunder, Jurorin Hubert von Goisern Kulturpreis 2020)

Um ein Landartwerk entstehen zu lassen bedarf es eines Blickes, der hinter die offene und klar ersichtliche Beschaffenheit eines Ortes in der Natur geht. Es müssen die ästhetischen, bereits vorhandenen Informationen des Ortes wahrgenommen werden. Diesen Informationen wird durch das Kunstwerk Form und Sichtbarkeit gegeben. Es scheint direkt aus dem Ort gewachsen, ist eine flüchtige Erscheinung, ein kurzlebiges sich Verdichten der unzähligen gestalterischen Möglichkeiten, welche die Natur an diesem Ort und zu diesem Zeitpunkt zu bieten hat. Die entstandenen Kunstwerke stellen nach deren Vollendung Spuren dar, die nicht das Sein des Künstler IN sondern vor allem den Dialog und die enge Beziehung MIT der Landschaft und das Verständnis derselben dokumentieren.

‍Vanessa Steiner wurde 1996 in Spittal an der Drau / Kärnten geboren. Sie studierte Kunst und Werkpädagogik an der Universität Mozarteum in der Klasse für Grafik und Zeichnung bei Beate Terfloth. 2018 absolvierte sie ein Auslandssemester an der Academy of Fine Arts in Umea/Schweden, sowie 2019 einen Auslands-Arbeitsaufenthalt in Paliano bei Rom. Aktuell ist die Künstlerin als Kunstpädagogin an der HLW Spittal an der Drau tätig.

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Künstlerinnen Statement

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"Die Auseinandersetzung mit Erinnerungen und Gedächtnisspeichern sind zentraler Gegenstand meiner künstlerischen Praxis. Ich überdenke Fragen, die mir auf ganz unterschiedliche Weise im Alltag begegnen und suche ständig nach alternativen Zugängen, neuen Speichermedien und erstelle eigene Archive gegen das Vergessen. - Denn das Gedächtnis ist ein umkämpftes Feld. Inmitten der aktuellen Dynamik von digitalem Wandel, dem Ringen um Nachhaltigkeit und Diversität, gilt es, tradierte Wissens- und Erinnerungsräume zu verteidigen und zugleich neu zu schaffen.Durch Prozesse des Sammelns, Zeichnens, Recherchierens, sowie einer ausgedehnten Forschungsarbeit entstehen als konzentriertes Ergebnis meist Objekte, Druckgrafiken, Zeichnungen oder Bücher. Ohne mein Schaffen jedoch auf einzelne Techniken zu beschränken. Indem die bearbeiteten Themen aus ihrem gewohnten Kontext herausgenommen werden, stelle ich ihre Sichtweise in Frage und eröffne damit dem/der Betrachter*in eine neue oder auch bewusstere Sicht darauf. Die Werke, die so entstehen, empfinde ich als eine Möglichkeit das eigene kreative Potenzial zu erweitern – nicht nur für mich als Künstlerin, sondern auch für den/die Betrachter*in. Demzufolge bietet sich die Gelegenheit, meine künstlerische Arbeit nachzuvollziehen und durch die eigene Interpretation und Vorstellungskraft zu erweitern, bewusster wahrzunehmen, neu zu denken oder auch Sichtweisen zu hinterfragen."

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Die Künstlerin, geboren 1940 in Spittal/Drau, war Schülerin von Friedrich Kusdas und Prof. Canaval, tätig im Lehramt an der päd. Akademie für Mode und Bekleidungstechnik in Wien. 1992 erhielt sie den Ersten Preis des Kunstwettbewerbes der AK Innsbruck und lebt seit 1993 als freischaffende Künstlerin in Villach.

„Ich konzentriere mich in meiner Arbeit vorwiegend auf die Technik der Batik, arbeite jedoch nicht auf Textilien, sondern auf Holz. Die sublimen Farbwerte und die grafischen Strukturen des Trägermaterials ermöglichen mir eine Ausdrucksweise, die meiner intensiven Beziehung zur Natur am nächsten kommt. Nachdem ich 2019 einen so wunderschönen und inspirierenden Gastaufenthalt in Gmünd hatte, würde ich liebend gerne noch einmal in der Künstlerstadt als Gastkünstlerin arbeiten und so wie damals, neue Einsichten und Inspiration für meine künstlerische Arbeit gewinnen.“ (aus dem Motivationsschreiben von Gerda Obermoser, 2020)

Die in Eastbourne, England, geborene Künstlerin, übersiedelte nach ihrer Matura nach Österreich und studierte an der Kunstuniversität Linz.

Sie ist seit 2010 als freischaffende Künstlerin tätig, lebt in Leonding bei Linz und ist seit 2015 Mitglied der Vereinigung Kunstschaffender Oberösterreichs und seit 2017 Mitglied bei Xylon Österreich, einer internationalen Vereinigung von Holzschneidern, der in Österreich derzeit 54 grafische KünstlerInnen angehören, die sich in ihrer Arbeit schwerpunktmäßig mit dem Holzschnitt auseinandersetzen.

Georgina Krausz beschäftigt sich in ihrer Arbeit gerne mit den Mikro- und Makrostrukturen von Pflanzen und Bäumen. Sie arbeitet vornehmlich mit Feder und Tusche, dabei entstehen neben kleineren Formaten auch Arbeiten bis zu einer Größe von 1,50 m x 1,10 m (The Big Inks).